Artes Visuales

Nora Iniesta

Artista argentina contemporánea cuya temática reside en la representación plástica de una iconografía ligada siempre a un solo lugar de pertenencia: la patria.

El mundo vivido en su infancia, la escuela, los actos, los próceres de papel, la historia, la bandera, los delantales blancos, el lenguaje escrito, quedarán para siempre registrados en su memoria.

Iniesta se expresa a través de materiales simples, elementos de uso cotidiano son utilizados y revalorizados  en sus obras.

Vinculada al diseño gráfico, la objetística, la moda y la comunicación, interviene con sus obras espacios urbanos, comerciales y domésticos. Expuso en muestras individuales y colectivas en Argentina y en el exterior. Participó en Bienales y en prestigiosos Premios de Arte.

Realiza sus estudios artísticos en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano y en la Escuela Nacional de Artes Visuales Prilidiano Pueyrredón. Se especializa en técnicas de grabado en la Slade School of  Fine Arts, University Collage London. Inglaterra.

En los años 1975/76 realiza viajes de estudios al exterior, visitando diversos países de Europa. En el año 1980 con la obtención en Buenos Aires del Premio Georges Braque, es becada por el Gobierno Francés y reside en Francia hasta 1983, año en que regresa a la Argentina. Ese mismo año 1980 es elegida para representar a la Argentina en la XI Bienal de Jóvenes llevada a cabo en el Museo de Arte Moderno de la Ville, París. Desde entonces viaja periódicamente a Estados Unidos, América Latina, Europa y Oriente, a fin de estar actualizada en Materia Artística, Diseño, Imagen y Moda.

En 1989, representa a la Argentina en la 3ra Bienal de la Habana, Cuba, y en el año 2001, en la III Bienal de Artes Visuales del Mercosur, Porto Alegre, Brasil.

En el año 2002 viaja a Corea invitada por la Asociación de Artistas Siglo 21, en conmemoración del Flag Art Festival. El mismo año es seleccionada por el crítico francés Pierre Restany para participar en la versión Open 2002, Imaginario Femenino llevada a cabo durante el Festival de Cine de Venecia, con la participación de cuarenta y tres artistas mujeres de todo el mundo, instalaciones y esculturas expuestas al aire libre en el Lido.

Cancillería Argentina, capítulo Mujer le encarga el armado estético y visual in situ, de su stand, como artista plástica argentina para el encuentro de mujeres Hispano-Americanas realizado en Almería, Sevilla, España. En el año 2004 obtiene la beca  del Programa Internacional de Intercambio de Artistas, Técnicos y Profesionales de la Cultura, Dirección Nacional de Política Cultural y Cooperación Internacional, Secretaría de Cultura de la Nación, Casa de Artistas de Samaipata, (Fundación Puerta Abierta),  Santa Cruz de la Sierra, Bolivia. Este mismo año participa como artista invitada por Argentina de la Bienal de Arte Contemporáneo II CONART 2004, llevada a cabo en la ciudad de Cochabamba, Bolivia. En el año 2005 es una de las artistas invitadas a tomar parte de la muestra  de arte contemporáneo: Cien artistas para un Museo 2005, organizado por la Municipalidad de Casoria y la Asociación del Centro de Arte Contemporáneo Internacional de Nápoli, en el Museo de Arte Contemporáneo Internacional de Casoria. En el año 2006 es invitada por el Yu Shun Art Museum y la Harbin Normal University,  a participar del China Harbin Internacional Art Forum 2006, Harbin, China. En el año 2009 viaja a Corea nuevamente invitada por la Asociación de Artistas siglo 21, en el marco del 17th Seoul Internacional Art Festival para exponer sus obras en el Chosunilbo Museum de la ciudad de Seoul, participando además del coloquio que, de modo simultáneo se llevó a cabo en la sede del mismo.

En el año 2010 viaja a París invitada por l’Observatoire de l’Argentine Contemporaine a dar una conferencia en el marco de la Conmemoración del Bicentenario de la Independencia Argentina, sobre la Pintura Argentina en el proceso de la Independencia y su desarrollo desde 1800 al hoy, Maison de l’Amerique Latine, París, Francia. También y por esta misma Conmemoración es emplazada su obra Bandera Argentina, la unión y la reunión de todos los argentinos, realizada íntegramente en RASTI, en el Aeropuerto Internacional de Ezeiza Ministro Pistarini. Este mismo año 2010 participa de la 17º Bienal de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia, en el marco del Bicentenario de este país. Del mismo modo es invitada a participar del Open 2010, en su versión número XIII, instalaciones y esculturas expuestas al aire libre en el Lido, llevada a cabo durante el festival de Cine de Venecia. En Febrero de 2012 en conmemoración del Bicentenario de la creación de la Bandera Nacional, (1812 – 2012), presenta Azul Celeste e Branco, (A Pátria Encontrada), en la Sala de Exposiciones de la Embajada Argentina ante la República Federativa del Brasil, Brasilia, inaugurando la misma. Viaja luego a Portofino, a inaugurar su escultura Colibrí en el Museo del Parco, Centro Internazionale di Scultura all aperto di Portofino, Portofino, Italia, la que es incorporada a su colección. En Buenos Aires, este mismo año 2012 en el mes de Mayo, presenta su libro Evita, la dama de la esperanza, en el que se reseña toda su obra temática realizada en los últimos años, y con posteridad, el día 6 de Septiembre se presenta en París en la Embajada Argentina. Nuevamente es invitada a participar del Open 2012, en su versión número XV, instalaciones y esculturas expuestas al aire libre en el Lido, llevada a cabo durante el festival de Cine de Venecia. En el año 2013 es invitada a participar por el Consorcio Cavatori Valmalenco de la edición 2013 de “I Giorni Della Pietra”, una escultura a gran escala de su autoría quedará instalada en la vía pública, un gran libro de mármol con la leyenda en tapa Justicia Social y firmado Evita, 26 al 28 de julio, ciudad de Chiesa in Valmalenco, provincia de Sondrio, región de la Lombardía, Italia. En el mes de Octubre viaja a París inaugurando su muestra La Patria Encontrada en la Galerie Argentine, perteneciente a la Embajada Argentina en Francia. Posteriormente con Túnez como destino presenta allí su exposición Bleu Ciel et Blanc, en la  Galerie Municipal Hédi Turki, Sidi Bou Saïd.

El año 2014, invitada por the World Culture Artists Association, la lleva por tercera vez a Corea a participar del 18th Seoul Internacional Art Festival para exponer sus obras en el Chosunilbo Museum de la ciudad de Seoul y participar del 18th Art Forum, en el mismo Museo. En el año 2015 es invitada en representación de la Argentina por el Corea Image Communication Institute (CICI) Corea, a participar del 6th Culture Comunication Forum 2015 (CCF), 31 de Agosto al 2 de Setiembre, en la ciudad de Seoul, Corea; simultáneamente con el título de La Niña Argentina, lleva a cabo una exposición de sus obras en la Embajada Argentina en dicha ciudad. Posteriormente, el 2 de diciembre de este mismo año, inaugura una nueva exposición individual de obras de su autoría en la Biblioteca Nacional de Rabat, Capital de Marruecos.

Margarita Bali

Coreógrafa, videoasta, realizadora de video-instalaciones, videomapping e interactividad. Graduada de la Universidad de California Berkeley en Biología, fue co-directora con Susana Tambutti de la compañía argentina Nucleodanza de trayectoria internacional por 25 años. Obtuvo la Beca Guggenheim 1998, la Beca Antorchas 2001, el premio Fundación Alexander Onassis de Atenas 2000, Premio Limbo Mmaba 2002, la Beca Tecnológica Teatro del Sur-Arts International, el Premio Faena de Arte y  Tecnología 2006, el Premio Germaine Derbecq 2006 de AACA, el Segundo Premio en la Bienal Gyula Kosice 2012 y participa de varios premios en el Salón Nacional de Artes Visuales. Realiza obras escénicas con video como Dos en la corniza, Ave de ciudada, Naufragio in vitro, Ojo al zoom con Nucleodanza, y Galaxias con el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Las video instalaciones La duna es móvil, Pulmotor, El acuario electrónico, Hombre RebobinadoCuerpos Nebulosos-Galaxias, Marea alta y Vuelo Rasante. A gran escala proyecta los mappings arquitectónicos Pizzurno Pixelado con Proyecto Cruce Fiva 2005 sobre el edifico del Ministerio de Educación, Escrito en los pies  sobre la fachada Casa Nacional del Bicentenario 2010 y el octaedro Agua en Tecnópolis 2011. Sus 12 obras de videodanza han obtenido premios en ICI, INCAA, La Mujer y el Cine, Coreógrafo Elletronico , Italia, entre otros. Expuso muestras individuales en el Centro Cultural Recoleta, Arte x Arte, Noviembre Electrónico del Cultural San Martín y, recientemente, abrió su propio espacio-taller de exhibición de video instalaciones Espacio Bali- Zabala .

Marcelo Salvioli

Se graduó en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata como Profesor en Artes Plásticas especializado en escenografía donde estudió con Saulo Benavente y Hugo De Ana, y pintura con Jorge Tapia. Trabaja profesionalmente como escenógrafo y vestuarista, habiendo recibido importantes reconocimientos y premios por su labor en todos los ámbitos de actividad.

En 2013 ganó el Primer Premio en el salón Nacional de Dibujo.

Expuso en el C.C. Borges en 2012 y en 2014. Desde 2011 expone regularmente su obra en Roma (Galería Spazio Nuovo, que lo patrocina actualmente en Europa). Participó como artista invitado  en la Tercera Bienal de Praga (pintura, julio-agosto 2011). En 2003/2004 su instalación “Hábitat Inestable” representó a la Argentina en la IX Bienal Internacional de El Cairo.

Expuso pinturas e  instalaciones en Gellerie d’Art en l’ille, Ginebra (2002, 2003) y en Buenos Aires (2011, 2014, Espacio Cultural para la Memoria Haroldo Conti, Ministerio de Cultura).

Ganó el Primer Premio Pintura en la VII Bienal de Arte Sacro (Buenos Aires, 1998).

Sus obras fueron reconocidas con Menciones en el Salón Nacional de Dibujo (2007) y en el Salón Manuel Belgrano (2007-2008).

Ganó la primera Mención en Dibujo del Premio Coca Cola en las Artes y las Ciencias en 1984 y el Segundo Premio en Dibujo en el XVII Salón de Artes Plásticas de la Municipalidad de La Plata, 1982. Sus obras participaron como seleccionadas en importantes Salones como el Premio Novartis, 1997.

La Asociación de Críticos Musicales le otorgó el premio a la Mejor Producción  Lírica de la temporada 2005 por la escenografía y vestuario de “Capriccio” de R. Strauss (2005, Teatro Colón), Premio “Trinidad Guevara” por el vestuario de “Los últimos días de Emmannuel Kant” (Teatro San Martín, 1996) y por “El Avaro” (Teatro San Martín, 1996). En 1999 trabajó en el Grand Theatre de Ginebra como escenógrafo asociado de la ópera “La Púrpura de la Rosa” (regie de Oscar Araiz). Fue director de arte de “There be Dragons” (2010, director Roland Joffe), production designer de “Nueve Reinas” (2000) de Fabián Bielinsky (nominado al Premio Cóndor); production designer de “Coup de Lune” de Eduardo Mignona (Canal Plus, 2005), escenógrafo de “Don Quichotte” de Massenett (2005, Teatro Colón), escenógrafo de “Zapatera Prodigiosa” de Juan José Castro (2005, Teatro Colón); vestuarista de “Lenz.” de Rhim (Teatro Colón, 2004), Diseñó el vestuario de Hamlet junto a Cecilia Carini (Teatro Alvear, 2011), dirigido por Juan Carlos Gené. Diseñó la escenografía de “El Cuidador” de H. Pinter con dirección de Agustín Alezzo (El Camarín de las Musas, 2014) y de “Moreira”, en el Teatro Cervantes (2015). Su trabajo en el cine publicitario como Director de Arte es continuo. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Estela Pereda

Nació en Buenos Aires. Es artista visual, investigó en el dibujo, la pintura, las instalaciones, los objetos, las cajas, el libro de artista, el video y el arte textil. Realizó su primer envío al Salón Nacional en 1962.

Sin renunciar a la creación personal sintió el arte como posibilidad colectiva, y, entre 1969 y 1985, trabajó en “Educación por el Arte”, en colegios y en su taller particular. Formó parte del Grupo Intercambio exponiendo en la Galería del C. C. San Martín (1985), en C. C. Recoleta (1990) y en la Fundación Banco Mercantil (1994) con la curaduría de Elena Oliveras y Raúl Vera Ocampo. En el año 2009 fue curadora del proyecto “Partitura de agua” en la Galería “Objeto a”, y presentó obras junto con los integrantes de mi mencionado taller. También integró el Grupo Líneas con el cual realizó exposiciones en Galería Arcimboldo y C. C .Recoleta Bs. As (2003 y 2006) y en el Museo de Arte Moderno, Cuenca, Ecuador (2005).

Incursionó en proyectos de arte público y realizó los vitrales de la Capilla del Cerro Catedral, Bariloche (1976-2005) y un mural para la Iglesia parroquial de Trenque Lauquen (1974).

Desde 1978 hasta 1982 sus imágenes se refirieron al tema de los derechos humanos. Cuerpos desnudos yacían en  ambientes cerrados. La serie se llamó “La Otra Realidad”. Fue expuesta en Galería Buen Ayre (1982) y la APDH publicó  una tarjeta (1984) reproduciendo la obra premiada en el salón que había sido convocado  por dicha entidad, Bs.As. (1983).

En 1984, junto con el comienzo de la democracia, ejecutó dibujos, pinturas y cajas con cuerpos, especialmente torsos masculinos de gran tamaño, con el afán de celebrar la llegada de un Hombre Nuevo y la sacralidad de la relación del Hombre con la Naturaleza de la cual forma parte. La serie se llamó “Torsos y Medidas” y la expuso en Galería Marienbad Bs.As. (1986 y 1988) y en ArchGallery, Nueva York (1989).

Mi genuina vinculación con la tierra y un deseo de señalar el valor de esta realidad que vemos y tocamos, me llevó a la inclusión de elementos naturales en mis objetos e instalaciones: piedras, líquenes, ramas, cortezas y  plumas, especialmente durante la década del 90. El armadillo, animalito oriundo de América, se ubicó en mi obra como símbolo de nuestro continente y el amonite milenario como semblanza de la memoria y quizás como un deseo de recuperar el orden cósmico. A esta serie llamé “Terra Caelum Terra”, que expuse en Galería van Rihel (1994 y 1997) y en British Art Center (1998), Bs.As. y en Banco Interamericano de Desarrollo, Washington (1994).

Varios viajes por el noroeste argentino y por las Misiones Jesuíticas, plasmaron en sus telas imágenes del Arte Mestizo. Le sedujo el sincretismo que se produjo en el encuentro del arte de nuestros pueblos originarios con la cultura europea y le resultó fácil asociar la naturaleza con dichas imágenes. En 2002, la publicación del libro “Estela Pereda-Aquí y Ahora, Here and Now”, (Edit. Asunto Impreso) con prólogo de Marcos Aguinis y textos de Malena Babino, dió cuenta de 35 años de mi trayectoria.

En estos últimos años su afición por trabajar con la memoria y rescatar el pasado la llevó a evocar recuerdos de su familia y en el año 2006 realizó el libro de artista “Desmemorias”, edición artesanal con 17 serigrafías sobre papel hecho a mano (edit. Papelera Palermo).

Este tema derivó en cuestionamientos al mandato patriarcal que mantenía a la mujer en espacios domésticos sin permitirle una realización personal y gestó su serie “Profesión sus labores” con elementos de arte textil. Esta propuesta incluía una larga tela sobre la cual se invitaba a coser a varones y mujeres por igual, con la carga de ironía correspondiente. Expuso esta serie en: Museo de la Mujer, Bs.As. (2013); UADE Art Institute, Bs.As., con la curaduría de Carolina Pampliega (2013); instalación en la Legislatura Porteña: “80 colores y texturas, work in progress” (2011);  “El Pullover Azul” en el Centro Cultural Recoleta (2013 y 2014); Bienal Internacional de Arte Textil, Bs. As. (2009) y Museo de Arte Contemporáneo Raúl Lozza, Alberti, Pcia. de Bs.As. (2008). La edición del libro que lleva el  nombre de la serie “Profesión sus labores” (Editorial Papers), fue coordinado por María Torres, con textos de Nelly Perazzo y Cecilia Fiel (2010).

A las más de 40 exposiciones individuales en Argentina se sumó una larga trayectoria en el exterior: la Bienal Internacional de Cuenca, Ecuador (1998); IX Bienal del Grabado Latinoamericano y del Caribe, San Juan de Puerto Rico (1991); ArquidecoGallery, Miami, U.S.A. (1996); Banco Interamericano de Desarrollo, Washington D.C. (1994); Galería Kin, México (1991); Museo de Arte Americano, Maldonado, Uruguay (1985); Exposición Internacional de Tapices, Vevey, Suiza (1977); Venable Neslage Gallery, Washington D.C. (1975).

Entre los premios y distinciones obtenidos figuran: ”Reconstrucción de la Memoria por los desaparecidos”, Premio y selección  para mural, Facultad de Ingeniería (1997); Mención Especial del Jurado, Salón Municipal Manuel Belgrano (1995); Medalla de Oro de la Asociación de Críticos (proyecto de Murales para la Galería del Este, 1994); Mención IMPS a la Trayectoria y a la Creatividad (1991); Salón “Nunca más”, 1°a Mención, Centro Cultural Malvinas (1986); Selección para las Jornadas de la Crítica de Arte (1984); Mención a Tres Tapices, Primer Salón Nacional del tapiz (1978); Mención, Primer Salón Municipal del Tapiz (1972).

Actualmente, ha retomado las preguntas que movilizan a todos los seres humanos sobre el “gran misterio” y el sentido de nuestra existencia. Siempre le interesaron las devociones populares, el sincretismo religioso que se produjo en América con la llegada de los europeos, la identidad del país y del continente. Estas búsquedas la movilizaron a concretar la muestra que ahora presento en el Museo Sívori en 2016, con curaduría de Carolina Pampliega, abarcando obras con técnicas mixtas de lápiz sobre papel, pintura y arte textil; cajas, fotografías e instalaciones.  Una invitación al espectador para que se sumerja en el mundo de las devociones populares y se deje interpelar por el encuentro y el dialogo ecuménico. Una experiencia religiosa que busca superar los prejuicios, la ignorancia y la intolerancia. Una propuesta que busca transmitir que hay más Verdad en todas las manifestaciones religiosas en conjunto que en una religión en particular.

Festival de la Luz

Los Encuentros Abiertos-Festival de la Luz son un inmenso conjunto de actividades relacionadas con la fotografía artística internacional, que -cada dos años- se lleva a cabo en Argentina, de acceso libre y gratuito. Constituye  uno de los principales eventos internacionales de fotografía que tiene lugar en Latinoamérica y cuenta con más de un cuarto de siglo de trayectoria.

Se trata de la cuidada presentación de exposiciones de fotógrafos nacionales y extranjeros en distintos museos, centros culturales y espacios de arte de todo el país.

Organiza proyecciones, conferencias, ciclos de cine; talleres, presentaciones de libros, convocatorias fotográficas y concursos; así como un Foro de Portfolios: encuentros entre fotógrafos y curadores, críticos especializados, coleccionistas, editores y directores de instituciones interesadas en la imagen fotográfica como medio de relevancia artística, cultural y social.

La primera edición se celebró en Buenos Aires en 1989 con el propósito de crear un espacio de intercambio y comunicación entre fotógrafos de todas las disciplinas, lugares y orígenes.

Desde el 2000 está asociado al Festival of Light, una agrupación de 23 festivales de fotografía de todo el mundo, con el objetivo de crear lazos internacionales de cooperación, en un permanente y enriquecedor intercambio de miradas. Esta colaboración internacional en la que participan países como Estados Unidos, Canadá, México, Brasil, Francia, Alemania, Dinamarca, Finlandia, Portugal, Italia, Gran Bretaña, Suiza, Rusia, Lituania, Australia y Corea entre otros, tienen una web común: www.festivaloflight.net, una brochure común, un logo común y un importante intercambio de exposiciones.

Fundación Williams

La Fundación Williams, de Thomas Jefferson Williams y Ana King de Williams, fue creada en la República Argentina en 1943 por Thomas Jefferson Williams y Ana King de Williams. La misma es una organización de carácter privado sin fines de lucro, cuyos propósitos son impulsar el desarrollo de la ciencia, la educación, la cultura; fomentar el intercambio científico-cultural, y auspiciar el fortalecimiento comunitario.

La Fundación constituye, desde su creación, una valiosa fuente de ayuda y colaboración para personas e instituciones innovadoras. Este apoyo tiene como meta enfrentar el desafío de acrecentar el bienestar del país, utilizando como herramientas principales la expansión del conocimiento y el desarrollo de la cultura.

Pablo Kontos

Músico y artista visual. Nació en Buenos Aires en el año 1979. Sus obras combinan técnicas diversas como la pintura con fuego, el collage, el stencil y sus mas recientes impresiones digitales intervenidas.

Su formación fue en pintura con Carlos Gorriarena (1999-2001) y en la clínica de obra con Luis Felipe Noé (2000-2002).

Ha realizado exposiciones individuales en la Galería Loft Espacio Alfa (2005); en la Galería 51, México DF (2007); en la Galería Mercedes Giacheti (2006-2007); en Cuestiones del Psicoanálisis (2007); en el Centro Cultural General San Martín, con “Adiós mi Amor” (2010) ;en  Supermarket  Art Gallery (2011); en  Supermarket Art Gallery, con “El Fuego Construye” (2013); en Kirie Music Club (2014); en Hotel Intercontinental de  Nordelta (2014);  en la Galería SiteZen, Gallery Night, Pilar (2014)  y en el Centro cultural Borges con “Generación Zapping”(2015).  Actualmente, está  presentando en el mes de octubre, en MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Junín- Pcia. de Bs As- , la exposición “Fábulas”.

Ha participado en exposiciones colectivas  en el Agora Gallery, New York,  con “Master of the Imagination” (2006);  en la Exposición premio Banco de la Provincia de Bs. As. (2009);  en Supermarket Gallery, con “Sin Filtros” (2011); en Gallery Night,  Pilar (2014); en el Art Basel Miami, RedDot Art Fair, Latin American Art Pavilion, Miami, Florida, Diciembre (2015)

En el 2009, recibió el premio Estímulo Banco de la Provincia de Buenos Aires.

Gyula Kosice

Nació en la ciudad de Kosice en 1924. Escultor, plástico, teórico y poeta argentino, fue uno de los precursores del arte de vanguardia cinético lumínico. Estu­dió dibujo y modelado en academias libres.

En 1940, realiza sus primeros dibujos, pinturas y esculturas no figurativas, mientras que estudia e investiga la obra de Leonardo Da Vinci. Comienza a escribir poemas y escritos sobre el arte interdisciplinario.

En 1944 crea “Röyi”, escultura articulada y móvil y se convierte en cofundador de la revista “Arturo”. Al año siguiente, cofunda “Arte Concreto-Invención” en la casa del Dr. Enrique Pichon Riviere, organizando, más tarde, la 2º muestra de “Arte Concreto-Invención” en la casa de la fotógrafa Grete Stern, Ramos Mejía. Asimismo, publica  “Invención”, una obra  con poemas, esculturas móviles y textos teóricos.

Crea el Movimiento Arte Madí( nombre proveniente de “Madrí, Madrí, no pasarán” de los republicanos españoles) en 1946, instituyendo el manifiesto del mismo y exponiendo en el Instituto Francés de Artes Superiores – Van Riel.  Estas pinturas Madí manifiestaban planos y colores articulados. En estos momentos, a su vez,  utiliza el gas neón en obras de arte, convirtiéndose en el primero en hacerlo en el plano internacional.

La Primera exposición personal de Arte Madí en el Bohemien Club, Galerías Pacífico, se concreta en 1947,  siendo la primera muestra totalmente no figurativa en Latinoamérica.  Al mismo tiempo, Kosice funda y publica la revista “Arte Madí Universal” que se materializa con ocho números.

Presenta la exposición Madí en Réalités Nouvelles, París, en 1948 y, además, muestra los dibujos y la propuesta de “La Ciudad Hidroespacial” que vertebra su declaración en “Arturo”: “El hombre no ha de terminar en la tierra”.

En 1949 se concreta “Hidrocinetismo”, la fusión de Agua, luz y movimiento.  Kosice se transforma en el creador de la escultura hidráulica,  siendo el primero en el mundo en introducir el agua como elemento esencial de las obras.

A lo largo de su trayectoria como artista, Kosice, realizó es­culturas monumentales, recorridos hidroespaciales, hidromurales; presentó 50 exposiciones individuales y más de 500 muestras colectivas, y publicó 18 libros. Por tal motivo, fue sido distinguido con el grado de “Caballero de las Artes y las Letras” por el gobierno de Francia en 1989;  realizó en 1991 su exposición retrospectiva en el Museo Nacional de Bellas Artes;  recibió el premio a la Trayectoria en Artes Plásticas, otorgado por el Fondo Nacional de las Artes, en  1994;  ganó el Premio Di Tella en 1997 y el Premio Konex en 1982 (Objetos) y 2002 (Escultura);  fue declarado Ciudadano Ilustre de la Ciu­dad de Buenos Aires; fue homenajeado en el Senado de la Nación en el 2006, y recibió el Premio Cultura Nación 2007.

Sus obras figuran en museos y colecciones privadas de la Argen­tina, América Latina, Estados Unidos, Europa y Asia.

Por sus 70 años de trayectoria se lo considera un visionario en el arte contemporáneo y un poeta que se animó a rebasar, sin demasiadas vacilaciones, el marco de las convenciones consagradas por la academia e inclusive por las vanguardias. Este empeño lo explicitó y lo practicó de manera temprana, en tiempos en que la academia y las vanguardias gozaban de buena salud y proponían límites y programas simultáneamente constrictivos. En una y otra dirección sus propuestas y su escritura infractoria se ubicaron provocativamente “en otro lugar”, asombrosamente excéntrico y fundacional, a la hora de reconocerle raíces, precedencias y deudas teóricas más o menos probables y exigibles.

No fue arbitraria, en consecuencia, su voluntad de inscribirse en un territorio de exploraciones múltiples, que incluyeron la escultura, la pintura, la poesía, la teorización estética, la inventiva filológica, el urbanismo, y, dentro de este mismo campo, la utopía (por lo menos en términos presentes) de la Ciudad Hidroespcial, como suma de un emprendimiento de profundas raíces humanísticas, sustentado a la vez por las posibilidades complementarias de la tecnología, el arte y las ciencias, visitadas ya por Kosice en los tiempos de sus tempranas investigaciones con lo lumínico, lo cinético y la presencia esencial del agua.

Joyeros Argentinos

Este espacio de reunión y difusión de la joyería contemporánea argentina comenzó en 2008 como un sitio web integrado por veinte joyeros que mostraban allí su trabajo, y en el que se actualizaba periódicamente la información relevante del sector. En poco tiempo se convirtió en el referente nacional e internacional de la joyería contemporánea en idioma español, por la calidad del trabajo de sus integrantes, hoy setenta, y la información que ofrece a miles de seguidores sobre convocatorias, cursos, talleres, exposiciones, seminarios, publicaciones, entrevistas y demás novedades.

Desde su nacimiento hasta hoy, Joyeros Argentinos ha trascendido ampliamente su actividad virtual (que incluye muestras como Día de la Mujer y 40 años – Arte, Memoria y Futuro). Como grupo y espacio promotor de la joyería contemporánea argentina, ha organizado el Concurso Nacional de Joyería Contemporánea Qué nos une (2010), realizado con motivo de las celebraciones por el Bicentenario de la Revolución de Mayo, que contó con la participación de ochenta joyeros de todo el país; la muestra Caleidoscopio”(2010), en la Galería Pladi, en México DF, en el marco del Simposio Internacional de Joyería Contemporánea “Área Gris”, con la participación de cuarenta integrantes del espacio, y la muestra Tiempo (2013), que se presentó en octubre en la galería Arte y Parte en Buenos Aires, llegando luego al Centro Cultural Virla, en San Miguel de Tucumán (2014) y al Centro Cultural Islas Malvinas, de La Plata (2014), y la exposición Figuraciones, para la que invitó a la Asociación de Joyería Contemporánea Chilena “Joya Brava”, y que se presentó en el Museo de Arte Popular José Hernández en 2015, y en Santiago y Valdivia (Chile) en 2016.  Además, organiza continuamente charlas, talleres y actividades para sus integrantes y seguidores, promueve investigaciones sobre temáticas asociadas a la joyería contemporánea y participa activamente de propuestas estatales y regionales como MICA y MICSUR.

Jacques Martínez

Jacques Martínez comenzó su actividad como director de la Galería Carmen Waugh en abril de 1974, cuando su propietaria se mudó a Madrid para dedicarse a su nueva galería, Aele.  Contaba con el asesoramiento y colaboración de Ernesto Deira, Enio Iommi, Miguel Ocampo y Clorindo Testa, quienes también habían apoyado activamente a Carmen.  Era la galería de vanguardia de Buenos Aires y estaba ubicada en Florida 948, al lado de la Galería del Este, en Plaza San Martín.  En 1977 Jacques compró el fondo de comercio a Carmen, y siguió operando en el mismo lugar y con los mismos lineamientos, primero con el nombre La Galería y luego con su nombre.

Después de haber cerrado al público algún tiempo, en junio de 2008, Jacques y su hija Clara, reabren la galería Jacques Martínez en una nueva sede en la Avenida de Mayo.

De esta manera, juntos aseguran la continuidad en el comercio de arte que se inició para la familia, antes de 1890 y hasta 1954 en la Galería Witcomb,  con su abuelo y bisabuelo Don Rosendo Martínez.

A lo largo de su historia, la galería se ha focalizado en sus exposiciones tanto en lanzar nuevos artistas, como en mostrar obras de artistas de reconocida trayectoria. Sigue siendo ésta su prioridad. Sin embargo, actualmente, sienten una gran responsabilidad en la puesta en valor de obra y artistas que por diversos motivos no tienen el reconocimiento que merecen. Para eso trabajan activamente en la catalogación y estudio de cuerpos de obra importantes, tal la de Ernesto Deira, Clorindo Testa, Raquel Forner, Perez Celis, Héctor Giuffré y Ricardo Laham, entre otros

Desde la galería consideran la importancia del espacio de una galería en el apoyo y difusión de la obra de un artista a lo largo de los años y sobre todo en la continuidad del espacio en su relación con el público, como lugar de referencia, como fuente de información y como lugar de discusión y generación de ideas.

Objeto a

Es una productora de contenidos culturales que inició actividad a mediados del 2008. Desde sus inicios se ha especializado en la organización de eventos y acciones culturales interdisciplinarias, trabajando en torno a ejes temáticos abordados desde distintas perspectivas por profesionales de diversas áreas especializándose en los últimos años en proyectos que incentiven e impulsen la creación, investigación, experimentación  y el desarrollo de obras en torno a la fusión de la tríada “Arte-Ciencia-Tecnología”.

Objeto a es creador, gestor y productor entre otros proyectos culturales de: la Bienal Kosice (www.bienalkosice.com) un concurso destinado a incentivar el desarrollo y producción de obras científico-artístico-tecnológicas inspiradas en la trayectoria del Maestro Gyula Kosice. Es también creador y productor de la primera exhibición en Argentina focalizada en la relación entre arte-videojuegos-sociedad: Game on! El arte en juego (www.gameonxp.com) y es la productora ejecutiva del concurso ArCiTec de la UTN FR BA  http://www.arcitec.frba.utn.edu.ar/

Luis Pazos

Nació en La Plata el 5 de agosto de 1940. Artista conceptual, poeta y periodista. Integró los grupos Esmilodonte, Grupo La Plata, Movimiento Diagonal Cero, Grupo de los 13, CAYC, Escombros. Autor de los libros objetos: El dios del laberinto y La corneta en el año 1967. Entre 2013 y 2015 expuso en las muestras colectivas: Subversive Praktiken/Practices – Wurttembergischer Kunstverein, Stuttgart (2009), Fundación PROA, Buenos Aires (2011), América Latina Photographs 1960-2013 – Fondation Cartier, París (2013), Resistance Performed – Migros Museum fur Gegenwartskunst, Zurich, Suiza (2015). Fernando Davis escribe el libro Luis Pazos. El “fabricante de modos de vida”. Acciones, cuerpo, poesía en el año 2013.

Sus obras forman parte de las publicaciones Vanguardia y revolución. Arte e izquierdas en la Argentina de los sesenta-setenta de Ana Longoni (2014), Terra Incógnita Vol/3 del Museu de Arte Contemporanea da Universidade de Sao Paulo de la curadora Cristina Freire (2015), El mundo tal como es y el mundo como podría ser de Julieta González (2015), Punto Ciego. Antología de la Poesía Visual Argentina de 7000 a.C. al Tercer Milenio de The San Diego State University Press de los autores Perednik, Doctorovich y Estévez (2016), Maestros. El bosque y el árbol de la fotógrafa Gaby Messina (2016). Publica los libros de poesía tradicional y experimental El cazador metafísico. Poesía reunida I, Letra suelta y Del silencio como mirada junto a Claudio Mangifesta, Poema inconcluso para Luisa Pazos (edición impresa acompañada de un cd de audio recitado por el autor). En el año 2017 el Museo Reina Sofía (España) adquiere las obras colectivas La Cultura de la Felicidad y La realidad subterránea, y sus obras individuales Proyecto de monumento al prisionero político desaparecido y Proyecto de solución para el problema del hambre en los países sub-desarrollados según las grandes potencias.